Película Asrar al Naas

La película Asrar el Naas (Los secretos de la gente) dirigida por Hassan el Emam se estrenó el 31 de diciembre de 1951. Protagonizada por Faten Hamama (en el papel de Naemat, la hija perdida), Hussein Riad (en el papel de Fathy, el padre), Zozo Nabil (en el papel de Latifa, la madre) y Farid Shawki (en el papel de Mansour, el amante que seduce a la madre) es un drama social que trata sobre una esposa de un tendero y madre de 3 hijos quien tras ganar un juicio se vuelve rica. Latifa es seducida por Mansour, un ex presidiario familiar de Fathy que lo lleva a vivir a su casa para cumplir su sentencia de libertad cautelar.

Para deshacerse de Fathy y conquistar a Latifa, Mansour esconde droga en el negocio de Fathy, quien es condenado a un año de cárcel por un delito que no cometió.

Latifa empieza a derrochar su nueva riqueza saliendo cada noche de juerga con su amante, hasta que un día decide abandonar a sus hijos y a su suegra e irse a vivir con Mansour.

Mientras tanto su hija pequeña, Naemat, se pierde en la calle y acaba siendo adoptada por una pareja de clase social humilde.

Cuando Fathy sale de la cárcel y su madre le da la noticia de la traición de su esposa el padre le dice a los niños que su madre ha muerto y jura nunca permitir que Latifa vea a sus hijos.

Pasan los años y Mansour abre una casa de citas junto con Latifa, a quien ya resulta evidente que no ama. Por azares del destino Naemat acaba convirtiéndose en víctima de su propia madre, quien intenta prostituirla en su casa de citas.

Mientras tanto su propio hijo, quien ya se graduó y se convirtió en oficial de policía, participa en un operativo para cerrar la casa de citas y Naemat logra escapar. Al huir pierde su talismán, y siguiéndole la pista a través de su chofer, que resultó ser el novio de su hija, Fathy logra reencontrarse con su Naemat.

 

Al final de la película los remordimientos consumen a Latifa, quien se arrepiente de haber abandonado a su marido y sus hijos por un hombre que nunca la amó, y para vengarse de él, le arroja ácido en la cara y lo mata. Él logra dispararle con una pistola. Herida, va a casa de Fathy a implorar su perdón para que le permita  ver a sus hijos antes de morir. Él le dice que si realmente los ama debe dejarlos con la idea de que ella murió, como él se los hizo creer cuando eran niños. La película, que termina con una fiesta por el casamiento de los tres hermanos, incluye algunas escenas de danza en un contexto festivo, como cuando Latifa gana su juicio y en un cabaret al que Latifa va con su amante, con Samiha Tawfik y un grupo de bailarinas en la danza.

Película completa con subtítulos en francés

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El coreógrafo Isaac Dickson

El coreógrafo Isaac Dickson entrenó a muchas de las estrellas del casino de Badia Masabni y fue un creador activo en el que Badia confió para entrenar a nuevas bailarinas y números para su escenario.

Fue él quien enseñó a Tahiya Carioca el número de danza del que tomaría su nombre artístico (carioca significa oriundo de Rió de Janeiro).

También entrenó a Samia Gamal, Hajar Hamdi y Houriya Muhammad y fue el coreógrafo de varias películas, entre ellas Ayyam chababi (1951), Sigarah wa kas (1955), Hamarti Kombola Zorria (1952) y Amert al Gezera (1948).

Samia Gamal en la película Sigarah wa kas

Dickson es considerado el instructor de baile más famoso del cine egipcio, ya que es el genio detrás del entrenamiento de la niña prodigio Fayrouz en su película más famosa, Dahab.

También actuó en 3 películas en papeles secundarios: Khataf  Merati (1954), Mustafa Kamel (1953) y Fatmah (1947).

En 1956, después de la agresión tripartita contra Egipto, Isaac Dickson decidió emigrar a Israel y se perdió su rastro.

Fuente: https://www.masrawy.com/

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Formación musical para bailarinas de danza oriental

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Ahmed Adaweya y el shabi egipcio

Artículo publicado originalmente en francés en la edición de 27 de noviembre de 2019 de Al Ahram Hebdo por Sayed Mahmoud.

En la década de 1920, las canciones que se escuchaban en cafeterías y bares populares se caracterizaban por la vulgaridad, algo que no era común en ese momento, especialmente para la clase media-alta. También fue en este momento que los músicos clásicos intentaban definir los géneros musicales adecuados como aquellos que eran mucho más convencionales y refinados.

A veces, sin embargo, algunos artistas fusionaron dos géneros, oscilando entre la música clásica y la popular. Entre ellos estaba el músico y compositor Sayed Darwish. Alternando entre géneros musicales durante la primera mitad del siglo XX, se convirtió en una figura icónica, que representa la identidad musical egipcia en todas sus formas. A Darwish le siguieron otros grandes nombres en el campo de la composición, como Zakariya Ahmad y Dawoud Hosni, que de hecho allanaron el camino para Umm Kalthoum unos años más tarde.

Durante los primeros años de la carrera de Umm Kalthoum, siguió los pasos de Mounira Al-Mahdiya, Fathiya Ahmad y Naima Al-Masriya, presentando canciones que pueden describirse como “música ligera”. Sin embargo, Umm Kalthoum pasó rápidamente esta fase y la borró por completo de su carrera artística.

Después de la década de 1920, las canciones egipcias siempre tocaban una de dos rutas paralelas: la oficial, conforme a los estándares de la clase dominante, y una no oficial, específica para cafés, bares y bodas, que estaban vinculados al folklore. Una de las características principales de este último género es su capacidad de ir más allá del canon para tocar las costumbres sociales, al tiempo que proclama una audacia erótica, que se considera aceptable en un contexto festivo. Los dos caminos siempre han existido en paralelo, sin oponerse nunca. Por el contrario, se cruzaron en muchas ocasiones.

Por lo tanto, una estrella de monólogos satíricos como Chokoukou, que a menudo vestía una galabeya, logró convencer a un gran músico-compositor, como Mohamad Abdel-Wahab, para que colaborara con él. El mismo patrón se aplica a docenas de otros cantantes populares, como Abdel-Aziz Mahmoud, que conmocionó a la opinión pública en ese momento cantando Ya Shebsheb Al-Hana, Ya Retni Konte Ana

La canción no habría sido impactante si su actuación se hubiera limitado al vecindario de Rod Al-Farag o restringido a los cabarets de la calle Emad Eldin. Pero lo que lo destacó fue que se usó en películas y se transmitió por radio, lo que creó una gran controversia en ese momento.

Sin embargo, el cine y la radio, que representan herramientas de control de calidad, atrajeron desde la década de 1930 a varios cantantes populares considerados “menos serios”, lo que aumentó su popularidad.

El otro punto que debe tenerse en cuenta al hacer una evaluación de las canciones populares es el contexto de los cambios que ocurrieron después de la Revolución de julio de 1952, que proclamó su alineación con las clases sociales desfavorecidas, especialmente la clase campesina. Por lo tanto, era bastante natural que el interés por las canciones populares fuera una de las principales prioridades del programa cultural de la revolución.

En las décadas de 1950 y 1960, Egipto vio el surgimiento de grandes figuras de la canción popular, la mayoría de ellas de origen rural, como Mohamad Taha y Khadra Mohamad Khedr, quienes en las actuaciones vestían sus ropas tradicionales. Pero también hubo cantantes, como Mohamad Roushdi, Mohamed Abdel-Motteleb y otros, que presentaron canciones populares mientras vestían atuendos urbanos, un indicador revelador de los cambios sociales y las aspiraciones de algunos de abandonar las cadenas de la ciudad.

Sin embargo, el fenómeno que preocupó a la élite fue la aparición de Ahmed Adaweyah a fines de los años sesenta y setenta, y su fama durante los años de las políticas económicas del presidente Anwar El-Sadat.

La economía de puertas abiertas estuvo acompañada de importantes cambios morales, que ampliaron la brecha entre las ambiciones de los consumidores de las clases medias y desfavorecidas, por un lado, y sus modestos ingresos, por el otro.

Adaweyah surgió en un contexto artístico donde las canciones se dividieron en tres categorías principales. La primera se ha mantenido unida a las melodías árabes clásicas, con el objetivo de preservar la identidad nacional, alterada por la derrota de 1967. La segunda estaba  representada por aquellos que, bajo el impacto de esta derrota, buscaron refugio en la canción occidental para expresar una especie de rechazo y descontento. En cuanto a la tercera categoría, se manifestó en las canciones de Adaweyah como una forma de expresar desilusión y cinismo, de ahí el fenomenal éxito de este estilo musical.

Adaweyah se opuso a las figuras de la canción clásica como Abdel-Wahab, Umm Kalthoum y Abdel-Halim, que se mantuvieron fieles a los temas románticos y patrióticos. Recibieron su legitimidad de los discos y la radio. Adaweyah, sin embargo, era la expresión de un mundo paralelo, en la periferia, apostando por un nuevo medio: el radiocasete introducido en Egipto por los expatriados que se fueron a trabajar en los países del Golfo Arábigo.

Después de la derrota, la gente perdió la confianza en las viejas canciones, así como en el régimen político gobernante. Este hecho ha tenido muchas repercusiones políticas y artísticas, como los intentos de Mohamad Nouh de formar grupos colectivos de canciones. Del mismo modo, los cantantes franco-árabes han adoptado la moda de las canciones del Golfo que ha ido en aumento, especialmente en los clubes nocturnos. La canción popular se convirtió en la expresión de los marginados y descuidados por la política de puertas abiertas. Adaweyah se convirtió en su estrella y su portavoz.

Sus letras expresaron su sueño de avance social en un momento en que los valores morales y los logros científicos estaban disminuyendo drásticamente frente a las leyes del mercado y las nuevas reglas comerciales.

Una apariencia de modernismo

El estado alentó al sector privado en todas las áreas, incluida la cultura, y había descuidado completamente al sector público, dejando la puerta abierta a tendencias muy comerciales, a veces vulgares. Así llegó la difusión de películas sobre sexo y drogas, que fueron producidas a un costo relativamente bajo y filmadas en poco tiempo, así como series estadounidenses que resaltaban los valores capitalistas y occidentales.

Egipto experimentó lo que el sociólogo Ahmad Zayed describe en su libro Las contradicciones del modernismo egipcio (2005) como “la fase del modernismo superficial”. Esta fase se caracteriza por una inclinación por el consumo y la satisfacción de las necesidades básicas a expensas de los valores auténticos. Este modernismo superficial desfigura las tradiciones y el patrimonio cultural, así como los avatares del modernismo mismo.

Antes de la aparición de Ahmed Adaweyah, había una forma más oficial de canción popular, pero la nueva canción de Adaweyah expresó una atmósfera diferente al evocar temas como el hacinamiento y el ingenio, y desafiar a las instituciones. Y esto, en particular, se opuso al aparato de los medios estatales predominantes que representaban la cultura hegemónica.

Esto implica diferentes formas de discriminación, como lo señaló el crítico saudita Abdallah Al-Ghozami en su libro The Literary Critique, que habla sobre la marginación de varios de los artistas y escritores de la época. Además, el compositor Mohamad Qabil dijo en ese momento que el éxito de las cintas de Adaweyah, que se vendieron en grandes cantidades, lo convirtió en portavoz de los conductores de taxis y microbuses.

Adaweyah fue objeto de todas las acusaciones formuladas hoy contra los cantantes de Mahraganat. A los ojos de los críticos, estas canciones no tenían sentido, pero había millones que les gustaban y que encontraban en ellas un consuelo capaz de hacerles olvidar su dolorosa realidad.

Adaweyah y sus sucesores, clasificados como cantantes populares, fueron criticados por una élite tradicional temerosa de “perder su posición privilegiada”. Es por eso que esta élite fue ruidosa en sus críticas a la cultura de las masas y por qué no abrazó la riqueza y la diversidad del fenómeno.

Ahmed Adaweya interpretando la canción “Zahma” acompañado de la bailarina Zizi Mostafa

Ahmed Adaweya interpretando El Hewl Wasl acompañado de la bailarina ucraniana Alla Kushnir

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Muere Mahmoud Reda, bailarín y coreógrafo egipcio

Mahmoud Reda, bailarín y coreógrafo fundador del folklor escénico egipcio y del ballet Reda Troupe, murió hoy a los 90 años.

Reda nació en El Cairo el 18 de marzo de 1930. Estudió Economía Política en la Universidad de El Cairo. Su hermano mayor Ali, que era bailarín, tuvo una gran influencia en Mahmoud, por lo que se aficionó a la danza. Era gimnasta y representó a Egipto en los Juegos Olímpicos de verano de 1952 en Helsinki, Finlandia.

Pero su pasión por el baile lo empujó a unirse a una compañía de danza argentina con la que recorrió Europa. Luego comenzó a planear comenzar su propia compañía de baile, pero por falta de fondos trabajó como contador de Royal Dutch Shell. Conoció a la bailarina anglo-egipcia Farida Fahmy en el Heliolido Club en El Cairo y ella se convirtió en su compañera de baile.

Reda y Fahmy actuaron en la Unión Soviética en 1957 y luego fundaron su compañía de baile folklórico en Egipto con Ali Reda en 1959.

Al principio, Reda Troupe consistía en solo doce bailarines y doce músicos. La coreografía de Reda es una mezcla entre bailes folclóricos tradicionales egipcios con bailes de estilos occidentales como el ballet. Reda Troupe tuvo gran éxito y se convirtió en la compañía de danza más famosa de Egipto en ese momento.

En 1961, Mahmoud Reda y Fahmy protagonizaron la película “Igazah nisf as-sinah” (Vacaciones a medio plazo), dirigida por Ali Reda junto con el resto de los miembros de Reda Troupe. La película aumentó la popularidad de Reda Troupe. En 1967 se estrenó su segunda película “Gharam fi al-karnak” (Amor en Karnak). En 1970, la compañía apareció en una tercera película, Harami El-Waraqa.

Dos escenas de la película Gharam fi al Karnak (1967) dirigida por Ali Reda que trata sobre la historia ficcionalizada de Reda Troupe.

Mahmoud Reda dejó el cargo de bailarín principal de la compañía en 1972, pero continuó como coreógrafo y director de espectáculos.

Reda es el padre de la famosa actriz egipcia Sherine Reda.

Algunas de las canciones más famosas con las que bailó Reda Troupe son Halawet Shamsena (La belleza de nuestro sol), Yawlad Baladna (Hijos de nuestro país), Agaban Leghazal (Oh tú gacela), Luxor Baladna (Luxor es nuestro hogar) y muchos más.

El presidente Gamal Abdel-Nasser amaba a la banda, y siempre los solicitaba cuando tenía invitados o durante las celebraciones de la revolución de 1952. Siempre era Reda Troupe, junto con Abdel-Halim Hafez y Um Kulthum.

En un principio Reda Troupe estaba conformada por siete hombres y siete mujeres bailarinas: Mahmoud Reda, Farida Fahmy, Ali Reda, Ali Ismail, y trece músicos. Cuando el gobierno empezó a patrocinar a Reda Troupe, llegó a tener cuarenta bailarines.

En una entrevista con el diario Al Ahram, Mahmoud Reda dijo:

No podemos representar el folklore tal como es. El folklore es como la gran pirámide. No puedo llevar la gran pirámide al Balloon Theatre. Mi trabajo se inspiró en el arte popular; por ejemplo, de la danza Hegala (danza beduina) en Marsa Matrouh, tomé dos o tres pasos y me inspiré en ello. El teatro tiene sus propias reglas y normas, y no puedo representar la coreografía de danza popular tal como es, tiene que adaptarse al teatro.

Lo que hice fue una aventura que podría haber salido mal. Me inspiraba en una danza del Alto Egipto, por ejemplo, la desarrollaba y cambiaba el color de los trajes para que no fuera  todo negro, porque el negro es el color dominante en el Alto Egipto, donde las mujeres lo usan todo el tiempo como parte del luto. A eso me refiero cuando hablo de inspiración.

Mi trabajo fue una mezcla de la danza folclórica original, el ballet que aprendí aquí y en París, y mi propio estilo personal y esto fue sorprendentemente exitoso. Esto no sucede mucho actualmente. Puedes encontrar cien bailarines pero no más de un artista creativo entre ellos. Hoy en día, no hay un buen ambiente para descubrir talento.

Una de las coreografías más emblemáticas de Mahmoud Reda con Farida Fahmy como bailarina principal. La canción se llama Gharib el dar y forma parte de las Muwashshahat Raqisah, una serie de coreografías ideadas por Mahmoud Reda para un show en televisión egipcia producido por Ali Reda. La composición musical es de Fouad Abdel Magid y el arreglo para orquesta de Abdel Haleem Nouira.

Sobre la danza, dijo:

La sociedad siempre ha tenido una visión injusta del baile. No hay nadie en todo el mundo que no baile. Una vez traje una cámara de video y comencé a grabar a la gente en la calle; avanzando, mirando a su derecha e inclinándose para atar sus cordones. Si agregamos música al mismo video, sería un baile. Bailar es básicamente una expresión.

Bailar es un arte muy respetado en todo el mundo: es el origen de todas las artes y es el más fácil de realizar para el cuerpo humano. Pero aquí en Egipto, no sé por qué no lo respetamos. En el momento en que formamos Reda Troupe, el primer pensamiento que vino a la mente de las personas cada vez que escuchaban la palabra “baile” era oriental o danza del vientre. Es cierto que la danza del vientre era una especie de danza folclórica, pero se desarrolló independientemente en bodas o cabarets, y por supuesto los cabarets tenían una mala reputación.

Esa es la razón por la cual los padres nunca permitirían que sus hijas se unieran a Reda Troupe. Quería saber por qué, y descubrí que la razón es la desnudez (en la danza del vientre), y ninguna bailarina en ese momento tenía una segunda carrera. Por ejemplo, Farida Fahmy tenía una licenciatura en artes, yo tenía una licenciatura en comercio, y podría haber trabajado en cualquier compañía en lugar de elegir una carrera en el baile, pero bailamos porque nos encantó. Además, el baile era solo para mujeres en aquel entonces y pensé ¿por qué los hombres no deberían bailar?

Al principio, era difícil tomar fotografías de mujeres campesinas para estudiar su arte popular y sus trajes, y aunque estaban cubiertas “de la cabeza a los pies”, corrían y se esconderían porque era vergonzoso en ese momento.

Actualmente hay grupos de danza popular de ambos sexos. Puedo escribir en mi pasaporte que mi profesión es “bailarín de Reda Troupe”, y ¿el nombre de la banda es respetado.

Para leer la entrevista completa a Mahmoud Reda: https://unmundodeluz.wordpress.com/2017/03/30/mahmoud-reda-pionero-de-la-danza-folclorica-egipcia/

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Entrevista a la bailarina Aunt Rocky

“Aunt Rocky” es una bailarina de danza oriental que se autodenomina gitana. Nació en Rumania, en donde sus familiares ayudaban a otros a escapar de los Nazis. Es autora de uno de los libros fundamentales para las estudiosas de la danza oriental: “You asked aunt Rocky: Answers and advice about raqs sharqi & raqs shaabi”.

Carolina Vargas Dinicu, también conocida como “Morocco”, empezó bailando danza oriental en “Arabian Night”, un club nocturno de Nueva York en los años 60, casi por accidente, ya que ella originalmente audicionó pensando que buscaban una bailarina de flamenco. En esos clubes  familias enteras bailaban esa danza que la cautivó desde que la vio simplemente para expresar su alegría, para convivir, para expresar su identidad.

Familias enteras cantaban con los cantantes, bailaban uno con el otro, era una cosa tan alegre, con tanta emoción, con tanto amor de uno al otro, amistad, me gustó tanto que yo quise saber más“. Así nació su búsqueda para encontrar las respuestas a todas sus preguntas que plasmó en su libro.

Eran clubes familiares y una mujer de una de esas familias empezó a enseñarle lo que ella sabía de danza oriental al notar que su curiosidad era auténtica y que ella era una buena chica.

En junio de 2020 la maestra María Isabel Ángel de Colombia le hizo una entrevista por internet, y de la charla de casi 2 horas resaltan los siguientes datos:

  • El flamenco estaba en España antes de que llegara el primer rom (gitano). Y el zapateado del flamenco no tiene nada que ver con kathak, que es una danza clásica de la India.
  • El ex presidente turco Mustafa Ataturk creía que el “raqs sharqi” era árabe y no turco porque no era lo suficientemente “valioso” (refinado?) para ser turco. La bailarina Nesrin Topkapi llegó a decir que el estilo de danza que ella enseñaba era egipcio, porque era su danza, no turca.
  • Los viajeros occidentales pagaron por ver espectáculos en los que se llamaba al show de danza “de las awalim”, pero no necesariamente eran awalim y los espectadores no se interesaron por saber lo que esa palabra realmente significaba.
  • En el imperio otomano los encargados del folclor turco tuvieron que reconocer que en su tradición había el folclor roma (léase gitano), que musicalmente que habían negado como turco, pero cuando el resto del mundo se interesó por la música turca encontró la rama roma en la música turca, y por eso permitieron que la música gitana formara parte de su folclor, e incluso se permitió ese tipo de música en los espectáculos patrocinados por el gobierno. Un grupo político quiso sacar la danza oriental de los shows de folclor, pero como estaban ganando mucho dinero con la música de los rom tuvieron que dejarlo. Y en Estambul había clases caras de danza oriental en Estambul.
  • Cuando la bailarina egipcia Mona Said se volvió famosa en Londres, el hotel Cairo Sheraton la contrató, un hotel de 5 estrellas  a los que antes no había tenido acceso porque la consideraban “demasiado morena”.
  • En Líbano le dicen raqs farah (danza de boda) a la danza oriental. Es una danza que la hija de la novia debe hacer para mostrar que está feliz porque su hija va a casarse. La danza oriental se llamaba raqs simplemente, que significa danza, hasta que los europeos llegaron a los restaurantes y casinos y empezaron a llamarla “raqs shaabi”, que significa danza popular, especialmente en los casinos de Azbekiya tenían danza y música, para diferenciarla de los otros estilos occidentales que se presentaban, como  “Raqs faranji” (extranjero).
  • El rai Argelino empezó siendo político, música de protestas. Algunas chikhat de Marruecos también cantan sobre temas políticos. Entonces en Egipto empezaron a usaron sonidos del Alto Egipto y tomaron la música y los ritmos del rai y los llevaron a los vecindarios pobres de El Cairo y Alexandría. A ese estilo le llamaron a shaabi, porque cantan sobre la vida de las personas.
  • Al principio las bailarinas bailaban con un takht, un ensamble de 4 o 5 músicos. Luego llegó el compositor Abdel Halim Hafez trajo instrumentos occidentales y al principio a la gente no le gustó y luego le encantó y se volvió la música clásica de Egipto.

Me sorprendió que Morocco fuera lo suficientemente humilde como para reconocer errores en su propia investigación, como cuando habló sobre los movimientos pélvicos que presenció en una danza que relacionó con la danza oriental pero que años más tarde comprendió que la danza que había presenciado era la de las “chikhat”, y no danza oriental.

Es fascinante que una persona tan mayor como ella sea capaz de hablar con fluidez en español, uno de los varios idiomas que habla y que haya conservado su fabuloso sentido del humor. En un momento de la entrevista dijo: “Last time I checked I was using my whole body to dance, not only my belly“, al hacer referencia al nombre que los occidentales dieron a la danza oriental: belly dance o danza del vientre.

Para ver la conferencia completa:

Para saber más de Aunt Rocky, visita su website:  www.casbahdance.org

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Primer concierto online de Nour Marruecos Música Árabe

Primer concierto online virtual de #músicaárabe (موسيقى_عربية#) en la página de Facebook de la orquesta Nour Marruecos:

 

Esta fue la primera ocasión que músicos de Marruecos se reúnen con músicos latinoamericanos para interpretar música árabe del género #tarab en vivo por internet.

Aquí les compartimos la biografía de los participantes:

https://www.hichambillouch.com/

Hicham Billouch estudió música en el Conservatorio Real de Marrakech y se graduó como pianista. También toca violín, laúd, guitarra y sintir. Cuando era adolescente empezó a trabajar en cabarets de Marrakech como Hotel Sahara Inn, Rotana y VIP Club y el Hotel Semiramis de Casa Blanca. En Marruecos tocó para cantantes como Ahmed Adawiyya de Egipto, Fares Karam de Líbano y Mohamed Reda, Pinhas y Badr Sultan de Marruecos.

También participó en el Festival Mawazin organizado por el Gobierno de Marruecos y trabajó en la organización de eventos musicales como el Festival de la Marcha Verde. En Francia tocó con Maqam al Ushaq, un grupo de música morisca, en el Festival de Música Mediterránea de Córcega y el el Festival Internacional de Música Universitaria en Ville de Belfort, Francia.

En México creó Nour Marruecos, un ensamble de música árabe, con músicos locales. Nour Marruecos ha participado en festivales internacionales como Lerdantino (Durango), Festiva Toluca y Calimaya (Estado de México) y la Feria Internacional del Libro de Córdoba (Veracruz). También tocó en el restaurante libanés Adonis de Polanco. En la Ciudad de México organizó un concurso de belly dance y también publicó un libro con la traducción al español de 40 canciones árabesSu producción discográfica incluye 3 CDS: Salam, Qamar y Kalimat, con covers de canciones árabes y sus propias composiciones.

Sami Said, uno de los cantantes más conocidos de Marrakech que ha hecho colaboraciones con músicos de diversos países.

Khalid Machla empezó a tocar música en 1988, con la gran orquesta de Youssef el Mejahad. En 1991 grabó en España un disco de chaabi marroquí con el cantante Abdelrahim Biche. Trabajó también en bodas y temporadas en cabarets orientales como Vip Marrakech, Rotana, The Must, entre otros.

Giselle Rodríguez es la primera mujer latinoamericana que toca el qanun, que ha estudiado con el maestro Hicham Billouch. Periodista y traductora de profesión, es además bailarina y autora del libro Danza Oriental en Egipto.

En México ha ofrecido espectáculos de danza y música árabe en el Museo Nacional de Antropología, el Claustro de Sor Juana, la Alianza Francesa y el tablao Gitanerías. Con la orquesta Nour Marruecos, de la que forma parte desde 2015, se ha presentado en el Festival Internacional Lerdantino, la Feria Internacional del Libro de Córdoba, la Feria de las Culturas Amigas y el Museo Nacional de las Culturas.

Ernesto Vega toca la darbuka desde 2004 y es integrante de la orquesta Nour Marruecos desde 2015. Ha estudiado percusión con maestros como Raquy Danziger de Turquía y Osvaldo Brandan de Argentina y participado en festivales como el Guanajuato International Film Festival y la Feria de las Culturas Amigas. Tocó una temporada en el restaurante Adonis con el maestro Hicham Billouch y ha colaborado con distintas bailarinas de danza oriental.

Alfredo Setrak empezó a tocar música árabe en 1975, uno de los primeros argentinos en tocar derbake. En 2004 estuvo en Egipto, en donde estudió con Mohamed el Arabi, percusionista de la orquesta original de Um Kulthum.

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Sebou – el ritual egipcio para celebrar el nacimiento de un bebé

Artículo publicado por Asmaa Gamal en 2015 en el portal https://madamasr.com/en/2015/11/02/panorama/u/the-sebou-an-egyptian-baby-shower/

Sebou, que significa literalmente séptimo día en árabe, es una de las celebraciones que tienen lugar en Egipto exactamente siete días después del nacimiento de un niño. La celebración se remonta a la época de los faraones, cuyos murales de la era del Reino Nuevo presentan patrones similares de celebración. Estos rituales son practicados tanto por musulmanes como por cristianos, aunque con diferencias.

Al inicio de la celebración se coloca al bebé en un cernidor, una especie de charola con un fondo de red que se utiliza para cernir la harina. Actualmente casi no se usan estos cernidores, en su lugar se venden decorados en el mercado de Darb al Barbara precisamente para las celebraciones de sebou. Después el cernidor y el niño se colocan en el suelo. Este es el momento en el que la abuela u otro familiar del bebé de edad avanzada empiezan a hacer sonar un mortero golpeándolo con una maja de cobre y repetir órdenes al bebé, aconsejándole ser obediente con sus padres. Esta práctica tiene el propósito de acostumbrar al bebé al ruido y las distracciones de la vida. Similarmente, sacudir al bebé dentro del cernidor tiene el propósito de enseñar al bebé que la vida puede ponerlo en situaciones fluctuantes.

Se canta y se baila para dar la bienvenida al recién nacido a la familia. Los parientes llevan el cernidor mientras cantan: “alabamos a Dios y pedimos que crezca y se vuelva como nosotros”. La cultura de la celebración varía dependiendo de la familia. Los nubios tienen cantos y danzas especiales para la ceremonia de sebou. Anteriormente se colocaba el cernidor en una mesa alta y se ponía junto a una tetera tradicional en el caso de un niño, o de una jarra de arcilla para las niñas, pero esta tradición ya no se utiliza.

Dar siete pasos por encima del bebé es una tradición egipcia que tiene el propósito de alejar el mal de ojo. La mujer quema incienso y luego cruza por encima del cernidor mientras repite: “El primer paso es en el nombre de Allah, el segundo en el nombre de Alla e incluso el sexto”. Estos pasos se suelen ver también en las ceremonias de zar. Los miembros se reúnen alrededor de la madre y el niño, repitiendo los siete pasos al sonido del mortero y acompañados del humo del incienso.

Aunque algunas canciones ceremoniales del Sebou no son comprensibles del todo para muchos egipcios, debido a sus raíces ancestrales, las palabras todavía se repiten por tradición. Una canción se refiere a los aretes del bebé. Algunos dicen que esta tradición se remonta a la época de los faraones, que solían dar aros de oro a sus bebés. El aro se refiere a la diosa Isis, la madre del dios Horus. Los egipcios susurraban al bebé a través del aro que obedecieran a Dios, para que esto fuera lo primero que escucharan. Se cree que el oído comienza siete días después del nacimiento. Esa es la razón por la que hay tanto ruido durante el Sebou.

Junto al bebé se colocan dulces, que se distribuyen a los niños para indicar la generosidad del recién nacido. El tipo y número de dulces varía dependiendo de la riqueza de la familia. Los invitados colocan dinero (nota en egipcio vernacular) como regalo junto al bebé en el día del sebou. Los niños usan velas para iluminar el camino de la madre mientras lleva al recién nacido y cruza por encima del cernidor. Todas las celebraciones de Sebou tienen lugar después de la oración del Maghreb, cuando ya se puso el sol.

dLa abuela lleva un plato con sal que contiene el resto de los dulces del Sebou. Empieza echando sal sobre los invitados mientras la madre, que lleva al bebé en brazos, baja la escalera. La abuela dice: “que haya sal en los ojos de quienes no rezan al profeta. Echar sal es una tradición para ahuyentar el mal de ojo”. Si la familia vive en un departamento se baja las escaleras con el bebé y la procesión de invitados para anunciar el nacimiento al resto del edificio. La procesión regresa al departamento para distribuir juguetes a los invitados, especialmente a los niños.

En épocas más recientes los musulmanes han optado por practicar el ritual islámico de aqiqah para celebrar el nacimiento de un bebé. La aqiqah era practicada por el profeta Mahoma y consiste en el sacrificio ritual de un animal para alimentar a la familia y los pobres. Algunos egipcios celebran tanto el sebou como la aqiqah. La abuela, o una de las mujeres, preparan la comida en la mañana, que consistenen Fattah cocinado, un guisado hecho con pan mezclado con la carne del sacrificio que luego se ofrece a los familiares y vecinos invitados a la celebración y a los necesitados.

En esta escena de la película Al Zawja al Thania (la segunda esposa) se muestra este ritual

La película, de 1967 y dirigida por Salah Abouseif, trata de un alcalde corrupto que gobierna a la gente del pueblo con injusticia, y obliga a la esposa de un hombre pobre a casarse con él en secreto para tener un niño.

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Curso online sobre la historia de la danza oriental

Curso online “Historia de la danza oriental”

Impartido por: Giselle Rodríguez, autora del libro “Danza Oriental en Egipto
Fecha de inicio: 27 de marzo de 2021
Horario: Las clases son los domingos de 9:30 a 11:00 hora México y se imparten en zoom. El material de estudio está en un grupo privado de Facebook.
Duración del curso: Una sesión semanal, diez sesiones en total

Costo: US$50 dólares. Pago con PayPal
$1000 pesos si vives en México ( pago con depósito a cuenta)
Incluye material de estudio y sesiones en vivo.

Contacto: gisellehabibi@gmail.com | Facebook: Danza Oriental en Egipto.

Para conocer el cv de la profesora, visita este link: https://unmundodeluz.wordpress.com/giselle/

Requisitos

Para participar en el curso es indispensable contar con conexión a internet y cuenta de Facebook y zoom. Al final del curso se entregará una constancia de participación con valor curricular a quienes hayan asistido al 90% de las sesiones.

Metodología

En cada sesión en vivo (de 90 minutos) se proyectarán documentales subtitulados al español relevantes para el tema de la sesión. En ocasiones los participantes deberán leer textos previos a la sesión (cuya lectura es obligatoria), y en otras se proporcionará bibliografía complementaria cuya lectura es opcional. Al final de cada sesión, se dedica un tiempo para resolver dudas de las participantes.

El material de estudio se guarda en el grupo privado de Facebook en el que se imparte el curso. Los videos en vivo no, por lo que es necesario asistir a a sesión online el día y a la hora programada (domingos 12:00 del día hora México). El curso puede tomarse desde cualquier parte del mundo.

T e m a r i o

Primera sesión  
Danza en el Egipto faraónico

Segunda sesión
Bailarinas y cantantes del mundo árabe en la época medieval

Tercera sesión
La danza y la música en el imperio otomano

Cuarta sesión
Los gitanos, las ghawazee y las awalim

Quinta sesión
Las exposiciones universales de París de 1889 y Chicago de 1893

Sexta sesión
La danza en la pintura orientalista y la fotografía del siglo XIX

Séptima sesión
Transición de la danza de las calles y festejos a los centros de espectáculos y Badia Masabni

Octava sesión
El cine egipcio de la época de oro

Novena sesión
Elementos utilizados en la danza oriental y folclores de Egipto

Décima sesión
La danza oriental en la era moderna

Así es el grupo privado de Facebook en el que se imparte el curso:

Escucha algunas opiniones de quienes ya han tomado el curso:

BITÁCORA DE PARTICIPACIÓN

1a. Generación: Junio a Agosto de 2020

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2a. Generación: Agosto a Octubre de 2020

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Recreación de escenas orientalistas de danza

Inspirada por las personas que durante la pandemia han recreado sus cuadros favoritos con lo que tienen en casa me di a la tarea de recrear las siguientes obras de pintores orientalistas con escenas de danza:

1. Danzatrice con tamburello
Pintor: Fabio Fabbi (Italia)

2. Odaslisque au tambourin
Pintor: Henri Adrien Tanoux (Francia)

3. La danza
Pintor: Fabio Fabbi (Italia)

4. Bailarina en una tienda con músicos y espectadores
Pintor: Willem de Famars Testas (Holanda)

5. Gobelino turco

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